La caída de un genio – Caravaggio

Una noche de 1606, en Roma, Italia. En un callejón bañado por la tenue luz de la luna, dos hombres se enzarzaron en una feroz pelea.
Uno de ellos era Michelangelo Merisi da Caravaggio. El otro era Tommasino Ranuccio, un hombre de linaje acomodado al que se le consideraba poco más que un matón local.

Caravaggio ya era aclamado como el mejor pintor de Roma, pero era un hombre que se balanceaba precariamente entre el genio y la violencia. Y esa noche, la punta de su cuchillo atravesó el cuerpo de su oponente. Este único acto de asesinato lo transformó de un ícono de su época en un «fugitivo». Sin embargo, paradójicamente, fue precisamente esta tragedia la que hizo que su arte brillara aún más.

Un hombre con la mano de Dios, pero un pintor con el temperamento de un demonio

Caravaggio fue el artista que perfeccionó la técnica del «tenebrismo», esculpiendo la luz y la sombra como si las tallara en piedra; las figuras de sus pinturas ostentaban un realismo dramático que parecía irrumpir a través del lienzo. El tenebrismo se refiere al uso de fuertes contrastes entre la luz y la oscuridad en la historia de la pintura occidental para realzar el efecto dramático a través de la composición figurativa. (Derivado de la palabra latina tenebrae, que significa «oscuridad»)

¿Qué hacía que las pinturas de Caravaggio fueran tan diferentes de las anteriores? En la Europa del siglo XVI, la mayoría de las pinturas religiosas representaban temas nobles y sagrados —muy alejados de lo mundano— con huestes celestiales y ángeles, mientras que los protagonistas bíblicos, como Jesús y la Virgen María, eran invariablemente retratados como santos y hermosos.

Sin embargo, Caravaggio nunca pintó obras religiosas de ese tipo. En cambio, con frecuencia representaba a los protagonistas de sus pinturas religiosas como personas comunes en escenas muy cotidianas. Quizás no hace falta decir que es fácil imaginar la conmoción que sintió la clase dirigente religiosa de la época, dado que los protagonistas de sus pinturas religiosas eran prostitutas de calle, matones y estafadores, figuras que difícilmente podrían describirse como comunes. Las obras de Caravaggio, que elevaban lo profano a lo sagrado, causaron un gran revuelo. Caravaggio solía señalar a los transeúntes en la calle y decir: «Todas esas personas son mis maestros». Con esto quería decir que no había separación entre lo sagrado y lo profano.

Sin embargo, su carácter era tan extremo como sus pinturas. El alcohol, el juego, las peleas y la ira sin fin: todo ello lo llevó a la ruina.

La noche fatídica: convirtiéndose en un «asesino»

Roma, 1606. Caravaggio se vio envuelto en una fuerte discusión con un hombre llamado Rancho Tommaso por una deuda de juego. Este altercado no fue una simple pelea.
Se sacaron cuchillos, se derramó sangre y un hombre cayó al suelo.

«¡Caravaggio lo mató!»

Debido a este único momento de ira explosiva, Caravaggio se convirtió en un fugitivo, condenado inmediatamente a muerte en Roma. Huyó de la ciudad de inmediato y pasó los siguientes cuatro años vagando por Italia, pintando. Y sus pinturas se volvían cada vez más intensas y más oscuras.

Una vida huyendo, pero un arte que se volvió más intenso

Incluso mientras estaba huyendo, Caravaggio dejó su huella mientras vagaba de Nápoles a Malta, luego a Sicilia y de regreso a Nápoles. Sin embargo, dondequiera que se quedara, no había fin a las puñaladas, las peleas y los enfrentamientos. Como para reflejar su propio mundo interior oscuro, utilizó colores aún más oscuros y contrastes marcados en sus obras, capturando su desesperación y locura tal y como eran.

La pintura que realizó mientras se escondía es *David con la cabeza de Goliat*. Curiosamente, el propio parecido de Caravaggio se proyecta en las dos figuras representadas en esta obra. El rostro de Caravaggio, que tenía una gran cicatriz en la frente a causa de un ataque de un rival mientras estaba escondido, se encarna en la figura de Goliat, mientras que David, que mira con compasión al decapitado Goliat, se parece a Caravaggio en su juventud. Por consiguiente, la escena de este cuadro puede interpretarse como el yo del pasado matando al yo del presente.

Imbuido de un profundo odio hacia sí mismo y un deseo de penitencia, Caravaggio creó este cuadro para el cardenal Scipione Borghese, sobrino del Papa, con la esperanza de recibir la absolución de sus pecados.

El momento final: «Incluso su muerte sigue siendo un misterio»

En 1610, Caravaggio regresó a Roma en busca de un perdón. Sin embargo, en su camino de regreso, desapareció repentinamente sin dejar rastro. Unos días más tarde, su cuerpo fue encontrado en la playa. Las preguntas que rodean su muerte persisten hasta el día de hoy.

• La posibilidad de que fuera asesinado por soldados
• La posibilidad de que muriera de fiebre
• La posibilidad de que lo envenenaran

Sin embargo, una cosa es segura: las obras que dejó atrás siguen vivas y latentes hoy en día.

En definitiva, fue un genio adelantado a su tiempo, pero al mismo tiempo una figura trágica consumida por su propia ira. Y la luz y la oscuridad de sus lienzos eran un reflejo directo de su propia vida.