La YBA: Redefiniendo el valor del arte contemporáneo ② – El valor artístico descubierto en lo feo
Las obras del grupo YBA plantearon una pregunta profunda al público. La crítica que preguntaba «¿Por qué es esto arte?» fue, de hecho, la mayor forma de elogio para ellos. La controversia pronto se convirtió en dinero, y la controversia pronto se convirtió en valor. En la segunda parte, ofrecemos un análisis en profundidad de los artistas clave que representan al YBA y sus controvertidas obras.
Damien Hirst: el director que disecó la muerte
Hirst interpretó la «muerte», un temor común a toda la humanidad, a través de una estética moderna.
Creada en 1991, esta obra —que presenta un tiburón gigante conservado en un tanque de formaldehído— se ha convertido en un ícono del arte contemporáneo. El tiburón adopta una pose agresiva, como si estuviera vivo, pero en realidad no es más que un cadáver preservado, fijado para evitar la descomposición. A través de esto, Hirst ha llevado la «realidad física de la muerte» —que nos esforzamos por ignorar— directamente al centro de una galería con su lujoso piso de mármol.
Spin Painting y Spot Painting
Hizo que sus asistentes pintaran miles de puntos o rociaran pintura desde una máquina giratoria. En respuesta a la controversia sobre si «el arte es arte aunque el artista no lo pinte él mismo», declaró el triunfo del arte conceptual, afirmando que «la idea es el arte».
Tracey Emin: la artista confesional que vende sus heridas
En marcado contraste con Hirst, Emin exhibió su esfera más privada.
(1998), nominada al Premio Turner, era una reproducción directa de la cama en la que había permanecido tumbada durante cuatro días, sufriendo el dolor de un corazón roto. Sábanas gastadas, medias, botellas de alcohol a medio vaciar y condones ofrecieron al público una experiencia inquietante y voyeurista. Esto rompió el estereotipo de que «el arte debe ser perfecto» y puso de relieve la autenticidad de los momentos más vulnerables de la humanidad.
Marc Quinn: Un autorretrato hecho con mi propia sangre
Quinn se extraía pequeñas cantidades de su propia sangre cada cinco meses, recolectando un total de 4,5 litros. Vertió esto en un molde de su propio rostro y lo congeló para crear un busto. Esta obra se derretirá a menos que se mantenga en un congelador especial a temperaturas bajo cero. Se considera una obra maestra que expresa metafóricamente la finitud de la vida y cómo las personas modernas dependen de los sistemas sociales (electricidad, maquinaria) para prolongar sus vidas.
Sarah Lucas: Burlándose de la mirada masculina
Lucas se deleita en la sátira sexual utilizando muebles viejos y alimentos.
Coloca dos pepinos y un melón sobre un colchón para simbolizar el cuerpo masculino, o estira medias hasta crear formas grotescas. Su obra es tosca y cruda, pero contiene agudas reflexiones y humor sobre la identidad de género. Esto presentó una perspectiva feminista única en medio del movimiento YBA, que en ese momento estaba dominado por artistas masculinos.
El hilo conductor de esta cohorte de YBA es su «uso poco convencional de los materiales» y su «estilo directo». No se escondían detrás de metáforas o símbolos. Al lanzar temas como la muerte, el sexo, la violencia y la alienación directamente a la cara del público, ampliaron el ámbito del arte contemporáneo hacia una esfera más provocativa e intuitiva.
