La YBA: Transformando el valor del arte contemporáneo ③ – Convertir a Londres en la meca del arte contemporáneo

El fenómeno YBA que arrasó en la década de los noventa ya forma parte de la historia. Sin embargo, las repercusiones que generaron siguen profundamente arraigadas en la forma misma en que hoy disfrutamos, consumimos e invertimos en arte. La tercera parte destaca sus mayores logros y su legado, así como las figuras clave detrás de laexposición, el escenario en el que se forjó su leyenda.

La exposición «Sensation» de 1997: un fenómeno global

En 1997, Charles Saatchi organizó laexposición en la Royal Academy of Arts, reuniendo su colección de obras de los YBA. La exposición se extendió más allá de Gran Bretaña hasta Nueva York, lo que desató una enorme controversia y un debate ético.

Sin embargo, finalmente atrajo a cientos de miles de visitantes, y los YBA pasaron de ser un grupo local británico a convertirse en un «fenómeno cultural» global. A partir de ese momento, Londres se consolidó como la meca del arte contemporáneo, rivalizando con Nueva York.

Las estrellas de «Sensation»: obras maestras de cinco artistas que convirtieron la controversia en arte

Esta exposición fue más que una simple visita; fue una «experiencia». A continuación, presentamos a los artistas clave que dominaron el ambiente de la exposición en ese momento, junto con una mirada detallada a sus mundos artísticos.

① Damien Hirst –

Tras su tiburón, Hirst recibió a los visitantes con una obra que mostraba el cadáver de una vaca partido por la mitad y colocado en un tanque de formaldehído. Diseccionó meticulosamente a una vaca madre y a su ternero verticalmente, distribuyéndolos en cuatro tanques. Los visitantes pasaban junto a los órganos internos y los huesos de la vaca, enfrentándose a ellos en toda su cruda y descarnada realidad. Al deconstruir brutalmente la narrativa bíblica de «madre e hijo», permite a los espectadores experimentar físicamente el nacimiento y la muerte de la vida, y la ruptura que hay entre ambos. Esta obra le valió el Premio Turner de 1995 y consolidó su posición como líder de los YBA.

② Tracey Emin –

Comúnmente conocida como «La tienda», esta obra representa la cúspide del arte confesional de Emin.

Bordó los nombres de 102 personas con las que había compartido la cama a lo largo de 32 años en el forro de la tienda. Entre ellos se incluían no solo amantes, sino también hijos abortados, familiares y amigos. Aunque el público malinterpretó esto como un escándalo sexual, la obra es, de hecho, un registro de la «intimidad» y la «memoria». Al preservar la historia de las relaciones humanas dentro del espacio más privado —la tienda—, esta obra ha adquirido una narrativa trágica propia, ya que se perdió en un incendio en un almacén en 2004 y ahora solo sobrevive en fotografías.

③ Chris Ofili –

Este fue el «centro de la controversia» que llevó al alcalde Rudolph Giuliani a ordenar el cierre de la exposición durante su presentación en Nueva York. Representando a una Virgen María negra, aplicó excrementos de elefante al lienzo y decoró el área circundante con imágenes de ángeles recortadas de revistas pornográficas. Ofili combinó los significados de abundancia y santidad asociados con el «excremento de elefante» en la tradición africana con la iconografía religiosa occidental. Paradójicamente, esta controversia, nacida de un choque cultural, lo catapultó al estatus de artista estrella de renombre mundial.

④ Marcus Harvey –

Esta fue la obra que suscitó las protestas más vehementes durante la exposición, llegando incluso a ser apedreada con huevos en la entrada de la galería. Consistía en un retrato gigante de la infame asesina en serie británica de niños «Myra Hindley», creado a partir de huellas de manos de niños. Esta contradicción —reconstruir la imagen de una asesina a través de las manos de los niños— despertó la indignación pública. Harvey visualizó la forma en que los medios de comunicación consumen a los villanos y el escalofriante proceso por el cual sus imágenes quedan grabadas en la conciencia pública.

⑤ Ron Mueck –

Esta obra, que muestra la esencia de la escultura hiperrealista, deja al público en un estado de solemne reverencia. Se trata de una escultura del difunto padre del artista, representada en un tamaño ligeramente inferior al natural, en la que se reproducen a la perfección incluso las texturas más finas de la piel y los pelos. La textura fría del cadáver y su tamaño reducido intensifican la sensación de futilidad y tristeza asociada a la muerte. Se considera la obra que causó mayor «impacto estático» en medio de la «provocación» de los YBA.

Los criterios cambiantes para determinar el valor artístico: el legado de los YBA

El éxito de los YBA demostró que el valor artístico no reside en «la habilidad técnica del artista», sino en «la originalidad del concepto» y la «marca».

• Cambio en el liderazgo del mercado: Mientras que antes los críticos determinaban el valor del arte, tras la YBA, los grandes coleccionistas (como Saatchi) y las casas de subastas comenzaron a dictar los precios de mercado.
• La subasta de Damien Hirst en Sotheby’s en 2008: Hirst pasó por alto a las galerías y subastó sus nuevas obras directamente, generando más de 200 mil millones de wones en ingresos. Este fue un evento histórico que demostró que un artista podía convertirse en un modelo de negocio por derecho propio.
• El arte como lujo moderno: El hecho de que ahora veamos productos de colaboración con artistas contemporáneos en las tiendas de Louis Vuitton, o nos encontremos con esculturas poco convencionales en los vestíbulos de los hoteles de lujo, se debe al camino allanado por el YBA. Demostraron lo poderoso que puede ser el arte cuando no se limita a salas elevadas, sino que se entrelaza activamente con los medios de comunicación, la moda y el capitalismo.