Una hermosa disonancia más que una armonía perfecta: la obra de Steve Reich

Descubrir una repetición perfecta que suena diferente cada vez

En la sala de conciertos, sin instrumentos, solo dos intérpretes suben al escenario y comienzan a aplaudir. Es más, el ritmo que mantienen es absolutamente idéntico.

Sin embargo, por extraño que parezca, a medida que pasa el tiempo, el sonido que escuchas sigue cambiando. Esta misteriosa experiencia, en la que el mismo ritmo se repite infinitamente, pero el resultado suena diferente cada vez. , estrenada en 1972 por Steve Reich, el maestro de la música minimalista estadounidense, es una obra de estética contemporánea que explora la esencia de la música de una manera sencilla pero radical.

Steve Reich: el innovador que cambió las reglas del sonido

Nacido en Nueva York en 1936, Steve Reich es un pionero del minimalismo, un movimiento que, junto a Philip Glass y Terry Riley, dejó una huella indeleble en los mundos de la música contemporánea y las artes visuales. Pasó gran parte de su infancia viajando en tren entre Nueva York y Los Ángeles; los sonidos y ritmos regulares de la fricción de las vías del tren que escuchó durante esa época se convertirían más tarde en una importante fuente de inspiración para su gramática musical.

No siguió una trayectoria musical desde el principio. Tras especializarse en filosofía en la Universidad de Cornell, se sumergió profundamente en la filosofía de Wittgenstein; este enfoque filosófico —refinar el pensamiento complejo en un lenguaje claro— se trasladó directamente a su filosofía compositiva. Tras estudiar composición a fondo en la Escuela Juilliard y en el Mills College, Reich comenzó a cuestionar la vasta y compleja armonía de la música clásica occidental. En su lugar, centró su atención en las estructuras sonoras primarias y repetitivas inherentes a la humanidad, como los ritmos tradicionales de percusión de Ghana en África, la música gamelán de Indonesia y los cánticos hebreos.

Continuó produciendo obras de vanguardia que deconstruían la «centralidad melódica» defendida durante mucho tiempo por la música occidental, llevando al primer plano el «ritmo y el tiempo», las unidades más mínimas del sonido.

De los bucles de cinta al descubrimiento del «desfase»

El concepto más crucial que define a Steve Reich es el «desfase». Esta técnica original surgió de un experimento técnico puramente accidental.

A mediados de la década de 1960, Reich trabajaba en la creación de bucles de cinta (dispositivos de reproducción repetitiva) grabando sonidos cotidianos, como las voces de los predicadores callejeros o el sonido de la lluvia. Un día, insertó la misma cinta de grabación en dos reproductores y los hizo sonar al mismo tiempo; debido a sutiles diferencias en el funcionamiento de las máquinas, las velocidades de los dos sonidos comenzaron a desincronizarse muy ligeramente. Fue el momento en que las dos voces, que habían estado perfectamente sincronizadas, comenzaron a separarse gradualmente, creando un eco extraño y generando una forma de onda rítmica completamente nueva.

Reich extendió esta serendipia al ámbito de la interpretación humana. Trasladó un concepto que podría haber quedado confinado a la música electrónica a la interpretación física de músicos reales. Tras obras como (1967), en la que se tocan dos pianos con un ligero desfase temporal, la culminación de este proceso —en el que incluso se elimina el papel mediador de las máquinas o los instrumentos, dejando solo el cuerpo humano— es .

*Clapping Music*: Ondas construidas a partir de elementos simples

Las reglas de >> son casi despiadadamente intuitivas. Solo hay dos intérpretes en el escenario, y lo único que comparten es un único patrón rítmico de estilo africano que consta de 12 tiempos.

El primer intérprete mantiene este patrón rítmico de principio a fin a un tempo constante, sin la más mínima vacilación. Mientras tanto, el segundo intérprete, de pie justo a su lado, toca el mismo patrón pero, a intervalos regulares, adelanta el punto de inicio del ritmo un compás (una corchea).

En la primera etapa, cuando ambos intérpretes tocaban exactamente el mismo ritmo, en el momento en que el segundo intérprete adelanta el punto de inicio un compás, se produce un fenómeno auditivo similar al «efecto moiré» en las artes visuales (una distorsión geométrica que ocurre cuando dos patrones repetitivos se superponen). Aunque sabemos perfectamente que ambos están aplaudiendo al unísono, de la brecha creada por este ligero desajuste surge una polifonía inmensa e inesperada.

Al desplazarse un compás a la vez, el ritmo pasa por un total de 12 etapas de cambio relacional tridimensional; finalmente, al llegar a la 13.ª etapa, regresa a su estado inicial de sincronización, completando una trayectoria circular.

Steve Reich, un favorito de las artes visuales y la danza contemporánea

La obra de Steve Reich no se limitó únicamente al mundo de la música; fue una gran fuente de inspiración para los artistas conceptuales de la era del «White Cube» y para los bailarines contemporáneos. Artistas visuales minimalistas como Richard Serra y Sol LeWitt, quienes interpretaron la repetición y la disonancia del ritmo mediante la superposición de capas visuales, colaboraron estrechamente con él.

En particular, la bailarina contemporánea belga de renombre mundial Anne Teresa De Keersmaeker revolucionó el mundo de la danza al presentar coreografías en las que calculaba meticulosamente los movimientos de los bailarines basándose en y de Reich, revolucionando así el mundo de la danza.

El asombro del momento en que el ruido se convierte en arte

La vida de Steve Reich y su obra maestra demuestran que es posible construir una estética de vanguardia únicamente a través de la acción humana, sin necesidad de equipos sofisticados ni escenografías. Cuando el sonido cotidiano de las palmas se une a reglas filosóficas e intrincadas para convertirse en una obra de arte conceptual, experimentamos una nueva sensación de liberación en medio del ruido que nos resulta tan familiar.